Ryan Murphy convierte el drama queer clásico en un karaoke de cera

| |

 The Boys in the Band

Scott Everett White / Netflix

El productor Ryan Murphy y el director Joe Mantello no han venido a enterrar el pasado sino a recrearlo servilmente, en cierto modo, con “The Boys in the Band, "Un largometraje protagonizado por el elenco que los dos reunieron para el renacimiento de 2018 de la innovadora obra de Mart Crowley sobre un grupo de enemigos urbanos gays.

" Innovador "es uno de los últimos adjetivos que se podrían aplicar a este remake osificado, que busca la superficie de la versión cinematográfica de 1970 de William Friedkin con toda la profundidad de un diseño de revista o una fiesta temática. Ya sea que pienses o no que la pieza más actual de Crowley todavía tiene algo que decir al público del siglo XXI, es una obra que merece algo mejor que este karaoke de cera.

Michael (Jim Parsons), que lidia con su identidad a través de la terapia de compras y la culpa católica, organiza una fiesta de cumpleaños para el mordaz Harold (Zachary Quinto). Entre los invitados se encuentran el descaradamente extravagante Emory (Robin de Jesus); el bibliotecario Bernard (Michael Benjamin Washington, "Ratched"); el conservador Hank (Tuc Watkins), que deja a su esposa y familia por Larry (Andrew Rannells) de ojos errantes; el semental neurótico Donald (Matt Bomer); y el estafador Cowboy (Charlie Carver), a quien Emory compró para la noche como regalo de Harold. También hay una aparición sorpresa del antiguo amigo universitario de Michael, Alan (Brian Hutchison, "The Sinner").

"The Boys in the Band", aunque fue un cambio de paradigma en su franca descripción de un cierto segmento de la vida gay, tiene una estructura bastante tradicional; es una de esas obras de Broadway en las que varios tipos de personajes se reúnen en una habitación y muy rápidamente comienzan a lanzarse verdades y acusaciones enterradas durante mucho tiempo. Uno podría esperar que ciertos aspectos de lo que tiene que decir sobre cómo funcionan los hombres homosexuales en la sociedad estadounidense y cómo se sienten sobre sí mismos y entre sí sean parte del pasado. (“Muéstrame a un homosexual feliz”, señala Michael en una línea frecuentemente citada, “y te mostraré un cadáver gay”). Pero es una obra que puede tener y tiene relevancia como pieza de drama (que a menudo es muy divertido) y deleite como escaparate para los actores.

Tanto la relevancia como el deleite aparecen de vez en cuando en esta nueva versión, pero no lo suficiente. Mantello no va del todo a “Gus Van Sant remaking 'Psycho'” en su dedicación al trabajo de Friedkin, pero la influencia del original está ahí, desde las tomas de Donald conduciendo hacia la ciudad desde los Hamptons hasta la recreación de Phil Smith. Establecer decoración. Sin embargo, a medida que avanzan las versiones, es bastante desalmado.

Friedkin, como solía hacer en sus adaptaciones teatrales, resaltó la claustrofobia y la cercanía. Podías sentir la humedad acumulándose hasta la tormenta eléctrica que empuja a todos adentro para el acto final, y podías ver el sudor en las caras de esta tripulación borracha y con lengua de púas. No hay nada de eso aquí; diablos, no hay ni una sola marca en el cutis impecable de Quinto, lo que hace que la autodescripción de su personaje como un "hada judía marcada por viruela" carezca por completo de sentido.

Una de las pocas formas en que Mantello y el guionista Ned Martel, quien comparte la escritura El crédito con Crowley, romper con la película anterior es con un puñado de flashbacks y un epílogo, que disipan aún más la tensión y ofrecen poco valor dramático, aunque calzan algo de desnudez en los procedimientos que de otra manera estarían completamente vestidos.

Y Si bien de Jesus ofrece algunos de los mejores trabajos de actuación en la película, es un poco fácil cambiar a Emory de un personaje blanco a uno latino, ya que disminuye la corriente de burlas y burlas racistas del personaje hacia Bernard y Bernard. eventual explicación de por qué lo permite. Si los cineastas van a recrear 1968, es una trampa dejar retroactivamente el comportamiento racista de los personajes blancos fuera del gancho.

Lo que funciona mejor aquí es el diálogo todavía picante de Crowley, cuando lo expresan actores que logran el equilibrio entre el ingenio, – asco y rabia. Además de de Jesus, Washington, Watkins y Rannells abordan las palabras con la más profunda comprensión y estilo emocional, mientras que Carver clava los chistes, de los cuales su personaje es generalmente el blanco.

Lamentablemente, son los nombres más importantes en el más grande roles que dejan caer la pelota; Parsons se queja de forma tan irritante que no podemos imaginarnos cómo Michael tiene suficientes amigos para llenar una fiesta, y Quinto toma las frases más mordaces y divertidas de Harold y las convierte en Dennis Haysbert hablando sobre seguros de automóviles.

Esta es otra producción de Ryan Murphy, en los talones de "Hollywood", que convierte el trauma del pasado en un desfile de moda. (Uno imagina que su conexión con el material es menos sobre la evolución de los hombres homosexuales y su papel en la sociedad y más "¡Guau, ascots!") Crowley, los amigos y amantes que lo inspiraron a crear este elenco de personajes, y todos los queer pioneros que allanaron el camino para la comunidad LGBTQ + actual, merecen una nueva versión más picante y poderosa que este espectáculo en su mayoría sin aire.

Previous

Los socialistas denuncian con una semana de «retraso» desperfectos que ya han sido reparado

Cómo ver en vivo el servicio conmemorativo del viernes de Ruth Bader Ginsburg en el Capitolio

Next

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies